Chanteuse et pianiste japonaise vivant en France depuis maintenant quelques années, Yuyutopia est une artiste ayant su développer un univers personnel onirique et éclectique empli de poésie, où se mélange pèle-mêle de la pop, du jazz, des sons électroniques ou encore du classique. Son premier album, Aqua Shift, sorti l’année dernière, est maintenant disponible à l’international. Actuellement en plein dans sa série de 15 concerts au théâtre Les Déchargeurs à Paris (tous les mercredis soirs à 20h jusqu’au 20 juin 2012), l’artiste trilingue, parlant aussi le français que l’anglais ou le japonais, nous a fait une petite place dans son emploi du temps afin de répondre à nos questions.

Bonjour et merci d’avoir accepté cette interview. Pouvez-vous vous présenter pour les personnes qui ne vous connaissent pas encore ?

Je suis Yuyutopia, compositrice chanteuse pianiste d’origine japonaise. J’aime écrire la musique et des poèmes et regarder la danse contemporaine. J’aime faire la cuisine et créer des robes aussi. Tout ce qui est créatif m’intéresse.

Pouvez-nous nous parler un peu de comment vous êtes venue à la musique ?

J’ai commencé à suivre des cours particuliers de piano classique à l’âge de 3 ans en développant une passion pour la composition dès 5 ans. Mais dans mon enfance, ma formation restait basique, car il n’y avait pas d’école de musique ni professeur vraiment stimulant dans l’environnement où j’étais. Je continuais ces activités jusqu’à 11 ans, et puis j’ai arrêté jusqu’ mes 18 ans à cause de mes études (la préparation à l’entrée à l’université est quelque chose de très lourd au Japon).

Ma formation de base est classique mais j’écoutais depuis mon enfance le jazz et pop anglo-saxon aussi.

En entrant à l’université, j’ai commencé à découvrir intensivement la musique occidentale; du chant Grégorien à la musique classique, contemporaine et électronique expérimentale, et en même temps, j’ai repris la composition plus passionnément qu’avant mais toujours en autodidacte. C’est durant cette période-là où j’ai formé mon goût et l’esprit pour la composition.

Expliquez-nous l’origine de votre nom de scène « Yuyutopia » ?

En fait, « Yuyu » est mon surnom donné par mes amis français. Yumiko est mon vrai prénom. « Utopia » vient de l’utopie. On peut y trouver après coup un sens caché qui serait lié à la propre image que j’ai de mon univers.

Qu’est-ce que vous souhaitez exprimer à travers lui ?

C’est un univers totalement libre où toute la convention est démolie, donc c’est un monde avec beaucoup de surprises (car j’ai besoin de me surprendre constamment, sinon, je m’ennuie…), mais en même temps où les clefs pour la compréhension (ou un clin d’œil au code préétablie) sont parsemées.

Je m’amuse à trouver une équilibre entre l’offre de clef de repère et la perte de repère. La communicabilité est très importante pour moi.

Avant d’arriver en France, vous avez étudié la littérature française au Japon, langue que vous parlez parfaitement maintenant. Pourquoi avoir choisi le français ? Est-ce que cette langue représente quelque chose de spéciale pour vous ? D’où vous vient cette passion pour les langues ?

Depuis mon enfance, je baignais dans une famille « Francophile », car ma grande mère était prof de cuisine française (et ma mère aussi, d’ailleurs) qui avait beaucoup voyagé en France.

En entrant à l’université, j’ai commencé à lire les poèmes Baudelaire, Mallarmé et de surréalistes français, qui m’inspiraient beaucoup pour écrire la musique. C’était une ambiance particulière qui se dégageait des poèmes français que j’adorais.

Le goût pour les langues vient du fait que j’ai vécu aux aux États-Unis durant mon enfance. C’est cette expérience qui m’a appris que le Japon était un tout petit pays très particulier, doté de plein de contraintes sociales. Depuis lors, je rêvais toujours de vivre dans un pays bien plus libre. C’est la langue qui me le permet.

Des trois langues que vous parlez, est-ce qu’il y en a une vers laquelle vous penchez le plus ? Comment décidez-vous de la langue que vous allez utiliser pour tel ou tel chanson ?

J’aime l’anglais en particulier pour son rythme qui va bien avec la musique. Je trouve que le français et le japonais vont moins bien pour la musique car elles sont moins rythmique.

En fait, je voudrais tout écrire en anglais mais en pensant à l’équilibre de l’album, j’ai essayé de diversifier en peu la langue. C’est bien évidemment plus facile d’écrire dans ma langue maternelle au niveau du choix des mots, mais pas forcément de l’aspect musical.

Lorsque l’on qualifie votre musique, on parle souvent de musique OVNI ou éclectique. Comment décririez-vous votre musique / univers musical ?

En effet, je crois que ma musique s’inspire de mélange de différents genres, à savoir pop, jazz, classique et contemporaine, et pour cela, c’est peut-être difficile à catégoriser dans un genre. C’est mon envie d’être libre de tout carcan artistique et de m’aventurer le plus audacieusement possible qui me dirige naturellement à cela.

Est-ce qu’il y a des émotions particulières que vous souhaitez transmettre à travers vos compositions ?

Ça dépend de chaque pièce, mais d’une manière générale, je voudrais toujours créer une ambiance portant la force d’évoquer des images ou des univers comparable à des bandes originales de films. C’est pour cela que l’orchestration a un rôle très important dans ma pièce, et ce n’est pas un simple « accompagnement » pour la voix. Très souvent, je suis attiré par une ambiance mystique, onirique et moderne. Je voudrais y faire passer à la fois l’énergie féminine et masculine, les deux énergies nécessaires pour que la musique aie une force d’attraction.

Vous composez vos morceaux avec l’aide de nombreux musiciens. Comment travaillez-vous sur la composition de vos morceaux ?

La composition, je fais tout toute seule, mais c’est l’enregistrement que je fais avec plusieurs musiciens, et c’est pas la mêmes chose. Je compose souvent au piano et ensuite je fais l’orchestration. Je compose avec beaucoup d’exigence envers moi-même. Il y a la première phase d’esquisse qui est purement celle de « l’inspiration ». Ça peut arriver à n’importe quel moment, alors où que j’aille, j’amène toujours un crayon et une feuille pour ne pas laisser échapper des idées. Il faut noter vite. Et puis il y a la phase de construction suivie de celle d’élaboration, qui sont plus intellectuelles, mais c’est indispensable car c’est là où la forme de la pièce se construit et des erreurs de direction se corrigent.

Les gens qui vous ont écouté vantent souvent votre voix et la façon dont vous pouvez jouer avec. Pourtant, j’ai lu que c’était quelque chose dont vous aviez pris conscience seulement récemment ?

Oui, le chant, je pratique seulement depuis 6 ans. Je crois que la voix est un instrument qui évolue vite si on s’applique bien. Mais je n’ai pas encore un niveau assez haut, et je continue à travailler pour pouvoir aller plus loin.

Vous citez souvent Kate Bush comme modèle. En quoi vous inspire-t-elle ?

Sa sensualité particulière et son sens de la liberté très rare dans le milieu de la pop, la fertilité semblable à la musique classique et contemporaine, qu’elle avait jusqu’à son 4ème album. Ses sens ironique et de sarcastique que je ne trouve jamais dans la musique japonaise. Ses modulations atypiques et sa liberté formelle qui en découle m’ont bouleversée quand j’avais 18 ans. Elle m’a insufflée un désir profond pour créer un univers nouveau, et grâce à ça, j’ai pu partir à une grande quête de mon style à travers plusieurs genres musicales. Elle m’a permis d’aller loin.

Est-ce qu’il y a d’autres artistes qui vous inspirent ?

Scriabin et Mahler pour leur sens d’harmonie cosmique. Björk pour son esprit de recherche constant. Luciano Bério et Edgar Varèse pour leur sens de forme très développé, et Marc-Anthony Turnage pour son éclectisme.

Dans votre premier album, Aqua Shift, projet de cinq années et sorte de quête, vous faîtes référence au déplacement de l’eau et à l’univers aquatique. Pourquoi ce choix ? Pouvez-vous parler nous un peu de cet album ?

Le thème de l’eau n’avait pas été préconçu. Au fur et à mesure que j’ai avancé dans mon écriture, je me suis rendu compte qu’il y avait pas mal de titres qui concernent de l’eau.

Et puis vers la fin de production de cet album, j’ai été amenée à décider de symboliser le coté « voyage initiatique » dans le titre « Aqua Shift », car durant cinq années d’écriture, mon état psychique s’est progressivement transformé.

Avant d’écrire cet album, j’ai été accablée par une crise émotionnelle intense, et quelque part, c’est l’écriture qui m’a permis d’ensorceler au fil du temps et qui m’a sauvée. Le titre symbolise donc le processus de sublimation.

Vous avez composé pour le film muet Roméo et Juliette (Arte) en 2001. Est-ce différent de devoir penser sa musique pour quelque chosed’animé par rapport à une composition « plus classique » ? Est-ce que cette expérience vous a apporté quelque chose ?

Composer pour l’image est très différent que la musique sans support visuel car dans le premier cas, la musique est assujetti à la direction temporelle de l’image et la musique n’est, dans ce sens, pas autonome.

Cette contrainte est très intéressante car ça oblige de concevoir la musique très différemment que pour la composition où la musique se dirige selon sa propre loi. Il faut suivre la discontinuité de l’image, ce qui est tout contraire de la musique pure.

Pourquoi pas d’apporter la discontinuité dans l’écriture de chanson où la continuité est exigée ?

Cette question, je me la pose depuis longtemps mais je n’ai pas tenté de la mettre en œuvre dans mon premier album.

Créer des rencontres époustouflants entre la continuité et la discontinuité est un nouveau pari que je suis en train de me lancer dans mon projet actuel.

Pour terminer, quels sont vos futurs projets et avez-vous un message pour vos auditeurs français ?

Je viens de commencer à écrire mon deuxième album qui est tout autre que le premier. Créer un album plus dynamique que le premier, permettant à l’auditeur de danser,… en prenant en compte, dès le départ, la mise en scène, tel est mon projet.

Le message aux auditeurs français est : « Soyez curieux et ouvrez vos oreilles !! »

Remerciement à Yuyutopia – Interview réalisée en français en mai 2012.
Si des tournures de phrases ou des points vous semblent bizarres n’hésitez pas à me le signaler. 

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JAZZ CAFE LONDON
6/15 London, UK
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Sonar 2012
6/16 Barcelona, Spain
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Organisé tous les ans à Londres depuis 2009, le festival du Taïwan Cinefest s’étend prendra ses quartiers à Paris avec quatre films dans ses valises les 17 et 18 mai prochain. Ce qui se veut comme le premier festival du film taiwanais de Paris et est une initiative culturelle visant à améliorer l’accès et la compréhension du cinéma taïwanais à travers un festival annuel et des événements cinématographiques organisés dans quelques unes des plus grandes villes d’Europe.

Pour cette première édition parisienne, le festival se tiendra au Cinéma La Clef (34 rue Daubenton – 75005 Paris) et voici les quatre films au programme, datant tous de 2011  et inédit en France :

Vendredi 18 mai

- 18h30 : The Spin Kid 電哪吒 – De Joe Lee – Film d’ouverture

- 20h30 : Days We Stared at the Sun 他們在畢業的前一天爆炸 精華版 – De Yu-chieh CHENG

Samedi 19 mai

- 18h30 : War Game 229  燃燒吧! 歐吉桑 - De Huang Chien-liang

- 20h30 : Leaving Gracefully  帶一片風景走  – De Pen Chia-chia

Tous les films sont diffusés en VOSTFR au tarif unique de 6€/séance. 

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Après une première édition en 2011, le Festival du Cinéma Chinois en France revient en ce printemps 2012 pour une deuxième édition, à partir du 14 mai et jusqu’au 12 juin. Pour cette année, le festival s’étend, passant de quatre à six villes, dont la Réunion, et s’étalant sur près d’un mois.

Le public français pourra ainsi découvrir une programmation riche et diversifiée, représentative du cinéma chinois d’aujourd’hui (fin 2010 à 2012) : blockbusters, films d’auteur, comédies romantiques, mélodrames, films d’action et d’animation. Elle comprendra 10 films de fiction inédits en France, dont des oeuvres réalisés par John Woo (Reign of Assassins), Jackie Chan (Révolution de 1911 辛亥革命), Zhang Yimou (Sous l’aubépine 山楂树之恋) ou Gu Changwei (L’amour éternel 最爱);  interprétés aussi bien par des acteurs inconnus en France que par les stars internationales telles Gong Li, Zhang Ziyi, Tony Leung, Michelle Yeoh ou Jackie Chan. La sélection sera également composée de 4 films d’animation produits par les Studios de Shanghai, notamment la version en 3D du  » Roi Singe », adaptée à partir de la version originale de 1965 de Wan Laiming, chef d’oeuvre de l’animation mondiale.

Cette deuxième édition sera inaugurée le lundi 14 mai 2012, à Paris, au Gaumont Champs-Elysées Marignan, en présence de Zhang Pimin, Vice-Ministre Chinois de la SARFT, de Alain Delon et de Gong Li.

Pour toutes les informations sur le festival et les films rendez-vous sur le site officiel du  Festival du Cinéma Chinois en France.

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Et même si j’ai quelques semaines de retard (oui car il est maintenant trop tard pour admirer ce fabuleux spectacle), voici une petite flopée de photos histoire de célébrer comme il se doit le hanami.

Photos © Yoann Démare – Sakura Suki.

Après vous avoir parlé de mon premier coup de cœur de l’année, Inch Chua, voici une autre artiste qui devrait ravir vos oreilles. Originaire de Harbin, dans le nord de la Chine, Wanting Qu 曲婉婷 était, avec un nom de famille  signifiant musique/mélodie et le fait qu’elle ait bercé, ou plutôt réveillé, sa mère tous les matins au gré du theme song de la série Undercover Cop (Bian Yi Jing Cha), plus que prédestinée à se lancer dans la musique. Quittant sa Chine natale à l’âge de 16 ans pour le Canada, Wanting sort diplômée en Business Management quelques années plus tard. Mais plutôt que de continuer dans cette voix, elle décide de se lancer pleinement dans la musique, qu’elle pratique depuis son plus plus jeune âge en Chine, avec notamment l’apprentissage du piano que l’on retrouve dans ses mélodies, puis a continué au Canada avec la formation d’un groupe durant ses années universitaires. Tapant dans l’œil de Nettwerk Music quelques années plus tard, plus grande maison d’édition musicale canadienne, et qui gère entre autre, des artistes locaux internationalement connus d’Avril Lavigne, Sarah McLachlan, en passant même par Dido, qui font au passage partie de ses artistes préférés, Wanting devient la première artiste chinoise à signer chez le label. Après des morceaux utilisés pour différentes campagnes de pub et un film qui ont explosé les charts, des millions de vue sur Youku, des apparitions dans différentes compilations, d’excellents singles numériques,  le premier album de l’artiste, Everything In The World, est disponible depuis aujourd’hui (Amazon et YesAsia), permettant au plus grand nombre d’apprécier sa voix magnifique, son chant mélancolique, ses textes personnels et ses mélodies pop attachantes. Chantant à la fois en anglais et en mandarin, Wanting tresse ainsi des morceaux universels, rencontrant déjà un fort succès, comme le prouve son concert l’année dernière devant des dizaines de milliers de personnes dans sa ville natale de Harbin ainsi que ses multiples showcases affichant complets. Après l’avoir découverte par le plus grand des hasards, à travers son premier EP, je me suis procuré ses deux premiers singles, Drenched et Life Is Like a Song, en passant par iTunes (pardons aux familles). Si vous savez lire entre les lignes, j’espère que vous avez compris que si je me suis abaissé à passer par iTunes, c’est qu’elle en vaut la peine et que je ne peux que vous encourager à lui offrir quelques minutes qui suffiront à vous convaincre.

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Voilà plus de 10 ans que miaou, album après album, fait frétiller nos oreilles. Formé en 1999, par Tatasuki Hamasaki et les soeurs Hasegawa, Mayumi et Hiromi, miaou est devenu est une formation incontournable de la scène post-rock nippone, dont la notoriété a dépassé les frontières de l’archipel. Pour discuter un peu du groupe et revenir sur le chemin parcouru, rien de mieux qu’un petit rendez-vous avec l’un des soeurs Hasegawa, Mayumi.

Bonjour et merci d’avoir accepté cette interview. Pouvez-vous nous présenter miaou pour les gens qui ne vous connaissent pas encore ?

Bonjour, merci de nous avoir invités. Nous jouons de la musique electronique, à Tokyo, principalement instrumentale mais nous avons quelques chanteurs invités sur notre nouveau disque.

Parlez-nous un peu de la création et des débuts du groupe.

Nous nous sommes rencontrés à l’Université et avons commencé à chercher un son comme celui de Sonic Youth. Après un certain temps nous avons réalisé que nous n’avions pas vraiment besoin d’un chanteur car la majorité de nos morceaux étaient instrumentaux.

Miaou est la traduction française de Nya. Pourquoi avez-vous choisi ce nom ? Avez-vous une relation spéciale avec la langue française ?

Nous aimons tous les chats, nous avons tous pensé que « miaou » sonnait bien, mais à l’époque nous ne savions pas que c’était du français – nous n’avons découvert ça que plus tard. Je pense que notre capacité en française va aussi loin que « Bonjour » et « Très bien » !

Le groupe existe depuis plus de 10 ans. Quand on écoute vos albums on peut noter une évolution dans votre musique. Pouvez-vous nous parlez un peu de l’évolution de votre style ?

Yeah, 10 ans, nous n’arrivons pas vraiment à y croire. Nous avons tous des goûts musicaux différents, un peu de rock, d’acoustique, de sons ambiants et ainsi de suite. Nous avons également collecté de nombreux instruments différents au fil des ans, de sorte que cela a aussi un rôle dans la façon dont notre son a changé,  je suppose. Nous en avons utilisé un peu trop récemment donc il a été plus difficile de recréer notre son pendant les concerts.

Pour la production de vos albums, vous avez eu le plaisir de travailler avec de nombreux artistes talentueux comme Cornel Wilczek (Qua) ou Mino Takaaki (toe). Qu’ont-ils apporté à votre musique ?

Nous avons joué un concert avec Qua/Cornel à Tokyo il y a quelques années et c’est là où nous avons fait connaissance. Il a fait un excellent remix pour nous une fois ainsi qu’au moment où nous faisions le nouvel enregistrement. Nous avons vraiment aimé son style plus électronique donc nous lui a demandé de mixer et  masteriser l’enregistrement et nous sommes vraiment heureux qu’il ait dit oui.

Takaaki était un ami d’un ami à l’époque et il a enregistré notre premier album avec nous. Je pense à que c’est aussi environ l’époque où il a commencé à travailler comme ingénieur du son. Les deux nous ont aidé avec notre musique avec leurs propres moyens.

Lorsque l’on écoute vos morceaux, on peut ressentir une réelle émotion. Quels sont les sentiments que vous souhaitez partager à travers votre musique ? D’où tirez-vous votre inspiration ?

Nous aimerions que les auditeurs prennent ce qu’ils veulent dans notre musique, l’interprète comme ils la souhaitent. Cela n’a pas vraiment d’importance si cela est ou non la même chose que ce que nous avons originellement pensée.

Quant à l’inspiration, je pense que nous la tirons de tout autour de nous – je pense que notre vie quotidienne est reliée à la musique que nous faisons.

Pouvez-vous nous parler un peu des guests qui apparaissent sur votre dernier album ?

La piste avec Radical Face, Lost Soul était à l’origine un morceau d’ambiance, mais lorsque nous avons travaillé avec eux nous avons finalement pensé que cela serait mieux disposé pour être une piste vocale. Nous avons demandé à Radical Face parce que nous sommes de grands fans – nous sommes entrés en contact avec lui et, heureusement, il a dit qu’il aimerait faire les voix. Cela s’est avéré bien meilleur que nous ne l’avions pensé, nous sommes très heureux que de si nombreuses personnes aiment ce morceau

Avec  » Endings « , la chanson d’Epic45, nous avions déjà demandé à Ben du groupe de faire la voix d’une chanson de sorte qu’elle été écrite avec lui à l’esprit. Ben a aussi ajouté ses propres parties de guitare sur la piste, non uniquement sa voix.

Expliquez-nous un peu votre processus créatif : quelles sont les étapes de votre processus de composition ? Combien de temps mettez-vous en moyenne pour terminer un morceau ?

Le temps pour terminer un morceau varie, des fois six mois. Si nous sommes rapides, en un mois. Pour chaque piste nous l’écoutons encore et encore, la modifiant jusqu’à ce que nous soyons satisfaits. Généralement, les morceaux partent de Tatsuki ou de mes démos, puis nous nous réunissons et effectuons les arrangements. Tatsuki fait habituellement ses démos sur ordinateur pendant que je tendance à faire les miennes avec mes synthés et percussions, de façon un peu plus analogique.

Votre dernier EP, Into Your Pocket ep, est sorti non pas en CD, mais en cassette. Pouvez-vous nous expliquer un peu ce choix surprenant ?

Nous faisions quelques concerts à Hong Kong et à Taiwan et nous avons cherché à prendre avec nous quelques pistes qui été terminées. Les CD-R sont assez ennuyeux, donc nous avons décidé d’y aller avec des cassettes. Nous donnons des versions MP3s avec les cassettes bien sûr. Il n’y a pas tant de groupes que ça qui sortent des cassettes au Japon, mais il y a eu de plus en plus au cours de la dernière année.

Je voudrais juste revenir un peu sur votre dernier MV, Lost Souls, en collaboration avec le Radical Face, que je trouve vraiment poétique. Pouvez-vous nous dire quelques petits choix artistiques faits pour ce MV ?

Nous avons pensé que Lost Souls serait une chanson qui se prêtait particulièrement bien à une vidéo. Un de nos amis connaissait un animateur et il nous a mis en contact avec lui, c’est comme ça que nous découvert le « Set In Sand ». Nous avons aussi vraiment aimé les autres projets sur lesquels il a travaillé. C’est une animation, il lui a donc fallu beaucoup de temps pour le terminer et nous sommes vraiment très heureux du résultat final.

Outre le Japon, vous avez eu l’occasion de jouer en Chine et à Taiwan, mais aussi en Europe. Où avez-vous préféré vous produire ? Avez-vous remarqué des différences entre les publics asiatiques et européens ?

En Asie la plupart des gens écoutent très attentivement la musique bien qu’ils la connaissent déjà et il y a des gens fous aussi, mais nous avons eu de la chance car toutes les personnes qui sont venues à nos concerts étaient vraiment agréables. C’était super de rencontrer tellement de gens nouveaux à Taiwan, Hong Kong et en Chine.

Quant à l’Europe, nous n’avons véritablement joué qu’au Royaume-Uni et en Irlande donc c’est difficile pour nous d’en parler. Les gens présents aux concerts avaient bu de l’alcool donc c’était un peu plus bruyant, mais l’atmosphère était toujours bonne.

Quel est le meilleur concert que vous ayez joué ?

C’est vraiment difficile de choisir un seul concert !

Peut-être quelques-uns des concerts de la récente tournée avec Radical Face – c’était vraiment spécial d’être en mesure de travailler sur une chanson comme Lost Souls, de l’enregistrer, de la sortir, puis de la jouer en live avec un chanteur invité. C’était particulièrement bon de pouvoir voir des groupes qui n’ont pas passé de temps à jouer ensemble faire des concerts si facilement, comme si la musique était le vrai communicateur.

Que pensez-vous de la scène indépendante japonaise aujourd’hui par rapport à vos débuts ? Est-il plus facile de lancer aujourd’hui qu’il y a 10 ans ?

Ce n’est pas seulement limité au Japon, mais je pense qu’actuellement il est de plus en plus facile de partager sa musique avec les auditeurs de partout dans le monde.

Il y a 10 ans il n’y avait pas tant de labels indépendants au Japon, au moins indépendants dans le même sens qu’en Europe ou aux Etats-Unis, donc sortir des cd était difficile. En particulier les gens n’avaient pas vu beaucoup de groupes instrumentaux à ce moment-là au Japon, donc c’était assez difficile à certains moments par rapport à aujourd’hui.

Avez-vous des conseils à un groupe ou un artiste qui veut se lancer ?

Juste qu’il est  toujours important de continuer à persévérer.

Être reconnu au-delà du Japon, avez-vous eu des contacts avec les maisons de disques pour offrir plus de visibilité à votre musique ?

Nous avons sorti nos albums et effectué des tournées avec différents labels en Chine, Hong Kong et Taiwan.

Aux personnes qui vous découvrent avec cette interview, quel morceau leurs conseillerez-vous comme le plus représentatif de votre univers pour débuter ? Ou tout simplement votre morceau préféré ?

C’est difficile d’en choisir un – n’importe lequel est ok ! Je pense que pour les nouveaux auditeurs notre nouvel album est un bon point de départ.

Pour la fin, quels sont vos futurs projets et avez-vous un message pour vos auditeurs français ?

Nous avons différentes choses que nous voulons sortir plus tard dans l’année, donc nous nous préparons pour cela. Nous aimerions jouer en France un jour aussi, donc si vous connaissez des tourneurs intéressés, s’il vous plaît, faîtes nous le savoir !

Je vous remercie d’avoir pris le temps de répondre à mes questions.

Merci ! J’ai apprécié répondre à vos questions

Remerciement à Mayumi Hasegawa – Interview réalisée en avril 2012.
Si des tournures de phrases ou des points vous semblent bizarres n’hésitez pas à me le signaler.

On continue le retour sur les derniers concerts de 2011 de Misi Ke 柯泯薰 avec son passage au Rock in Taichung Festival, le 4 décembre dernier. Un des évènements les plus attendus de Taichung, cette quatrième édition du Taichung Rock Music Festival fut le fruit de pas moins de 18 mois de travail et été placé sous le signe de la protection de l’environnement, avec comme slogan « Green Your Mind ! ». Avec deux jours de festivités, ce sont plus de 70 groupes en provenance de Taïwan, des États-Unis, du Japon, de Hong Kong et même d’Ecosse, se sont succédés sur les quatre scènes du Fulfillment Amphitheater pour le plus grand plaisir d’un public au rendez-vous. Parmi les groupes on notera, entre autre, Mary See the Future, Morning Call, P!SCO, Astro Bunny, Yoko Yazawa, Ling Tosite Sigure et bien sur Misi Ke 柯泯薰 accompagnée de The Doll, dont voici quelques extraits du passage.